Las cascadas de Brand New Day: videojuegos, Jackie Chan y 420 fps

Es la parte de la película de la que nadie habla y que, sin embargo, explica por qué parece diferente de las anteriores. Las peleas de Brand New Day se crearon con un método inusual, tomado de los videojuegos y del cine de acción asiático.

Así es como se concibieron estas secuencias y lo que cambia en pantalla.

Cuando el videojuego entra en la sala de guionistas

Esta es la anécdota más reveladora sobre la realización de la película, y viene del propio equipo de especialistas.

Capturas de pantalla como referencia

Los dobles de acción juegan a las adaptaciones de videojuegos del personaje. Mientras jugaban, identificaban movimientos —encadenamientos de balanceo, recepciones, esquivas— de los que tomaban capturas de pantalla.

Estas imágenes se llevaban luego a la reunión de trabajo, con una pregunta sencilla: ¿Podemos hacer esto de verdad?

El actor principal hizo suya esta fórmula. Es una inversión interesante: durante veinte años, los juegos copiaron las películas. Aquí, la película copia el juego.

Por qué funciona

Las adaptaciones de videojuegos del personaje pasaron una década resolviendo un problema que el cine no había abordado bien: cómo se mueve un cuerpo por la ciudad aferrándose a las superficies, con qué inercia, qué ritmo, qué trayectorias.

Retomar sus soluciones equivale, por tanto, a recuperar años de investigación. Los movimientos parecen acertados porque ya han sido validados por millones de horas de juego.

Le dedicamos un artículo al conjunto de estas adaptaciones y a lo que aportaron al personaje: todos los videojuegos de Spider-Man.

Quién coreografió realmente estas peleas

Dos nombres estructuran el trabajo de acción de la película, y ambos provienen del cine asiático.

Un coordinador de otra película de Marvel

La dirección de las escenas de riesgo y la segunda unidad fueron confiadas a un profesional que ya había sido responsable de la coreografía de un largometraje anterior del estudio, conocido por sus combates cuerpo a cuerpo.

Esta elección no es neutral: orienta la película hacia un estilo de combate legible, filmado en tomas más largas, donde se sigue a los cuerpos en lugar de sufrir un montaje fragmentado.

El equipo de Jackie Chan

El actor y director ha declarado públicamente que su equipo de especialistas intervino en la película y que él se encargó de la dirección de acción.

Es una escuela muy identificable: coreografía precisa, uso del decorado como compañero, gags físicos integrados en el combate y rechazo al plano demasiado corto. Si algunas secuencias te parecieron más "legibles" que en las películas anteriores, de ahí viene.

Lo que cambia concretamente

Un combate coreografiado según esta escuela se filma de forma diferente: cámara más alejada, encuadres más amplios, menos cortes. El espectador ve lo que ocurre en lugar de adivinarlo.

Esto es coherente con el resto de las decisiones de puesta en escena de la película, que la crítica ha elogiado en general por su sobriedad.

420 fotogramas por segundo: la limitación que nadie imagina

Algunas escenas a cámara lenta de la película se rodaron a una velocidad extrema, y esto plantea un problema que el público no sospecha.

Lo que representa esta cadencia

Una película se rueda normalmente a veinticuatro fotogramas por segundo. A 420, se capturan casi dieciocho veces más imágenes, lo que permite, en la proyección, alargar una acción de un segundo a casi veinte.

Técnicamente, esto requiere una iluminación considerable: cuanto mayor es la cadencia, menos luz recibe cada imagen. Por lo tanto, estas tomas se ruedan bajo una iluminación masiva.

El problema de la actuación

El director lo formuló sin rodeos: a esta cadencia, se vuelve casi imposible actuar.

La razón es mecánica. Cualquier movimiento, por mínimo que sea, se multiplica. Un parpadeo dura una eternidad, una expresión que se compone tarda segundos en pantalla. El actor debe, por lo tanto, inmovilizar casi todo, manteniendo una intención legible.

Es una limitación más de la mímica que de la comedia, y explica por qué estas tomas son raras y cortas.

Lo que se hizo en la realidad

La película privilegia sistemáticamente el efecto real cuando es posible, y eso se nota.

Las armas arrojadizas

Los proyectiles utilizados por el clan ninja fueron lanzados de verdad, sin adiciones digitales. Es una elección que requiere lanzadores entrenados y una seguridad reforzada, para una ganancia visual real: una trayectoria auténtica no se simula perfectamente.

Detallamos esta facción y su papel en la película en nuestro artículo sobre La Mano.

Escenografías practicables

Las secuencias de combate se basan en decorados construidos en su totalidad —calles, andenes de metro, interiores—. Los especialistas trabajan así sobre superficies que reaccionan a los impactos, lo que cambia la forma en que un cuerpo cae y rebota.

Detallamos dónde se construyó todo esto en nuestro artículo sobre el desglose del tráiler final.

El decorado como compañero de combate

Es el sello distintivo de la escuela de acción de la que proviene el equipo: no se lucha en un decorado, se lucha con él. Un poste, una rampa, una puerta se convierten en elementos de coreografía en lugar de obstáculos.

Este enfoque requiere decorados sólidos y predecibles, es decir, construidos, lo que explica la inversión de la producción en calles practicables en lugar de fondos digitales.

Lo que sigue siendo digital

El vuelo por la ciudad, las grandes alturas, las escalas imposibles. La regla de la película es constante: lo que ocurre a nivel del suelo es real, lo que ocurre por encima de los tejados es artificial.

Filmar a un personaje que casi nunca toca el suelo

Este es el problema técnico central de cualquier adaptación de este personaje, y cada película lo aborda de manera diferente.

El cable, una y otra vez

La mayoría de los movimientos aéreos se basan en sistemas de cables controlados, capaces de acelerar, frenar y hacer girar un cuerpo según una trayectoria programada. Luego, el cable se borra fotograma a fotograma.

La dificultad no es elevar a alguien, sino darle peso. Un cuerpo suspendido que no sufre inercia parece inmediatamente falso, de ahí la importancia de la coreografía: el especialista debe representar la limitación que el cable anula.

La cuestión de la mirada

La máscara elimina toda expresión facial. El actor solo puede actuar con el cuerpo: inclinación de la cabeza, tensión de los hombros, posición de las manos.

Esta es una limitación que las adaptaciones de videojuegos ya habían resuelto, y es una de las razones por las que sus movimientos sirvieron de referencia: pasaron años haciendo legible a un personaje sin rostro.

El ritmo antes que la velocidad

Un error frecuente es acelerar para dar una impresión de poder. La película hace lo contrario: ralentiza algunos momentos clave, incluso filmando a cadencias extremas, para que el espectador asimile lo que sucede.

Un movimiento comprendido impresiona más que un movimiento rápido. Este es el principio básico de la escuela de acción de la que procede el equipo.

Las portadas de cómics recreadas

Un detalle que los lectores de mucho tiempo notaron de inmediato.

La secuencia de apertura reconstituye varias portadas famosas del personaje, plano a plano —poses, encuadres, composiciones—. Es una declaración de intenciones colocada incluso antes del comienzo de la historia.

El director mencionó un objetivo aún más ambicioso para toda la película, con una lista que no coincide completamente con la que se identifica en pantalla. En otras palabras: probablemente hay más referencias de las que el público ha notado.

Reconstruir una portada es un ejercicio técnico en sí mismo. Una ilustración permite proporciones imposibles, puntos de vista que ninguna cámara puede tomar y cuerpos retorcidos más allá de lo practicable. Traducir eso a acción real implica elegir qué se conserva —la silueta, el encuadre, la luz— y qué se abandona.

Es también por esta razón que estas tomas duran uno o dos segundos: funcionan como imágenes fijas intercaladas en el movimiento, no como secuencias.

Nuestro artículo que enumera los huevos de Pascua y referencias ocultas detalla estos guiños.

Lo que las acrobacias dicen del personaje

Una coreografía no es neutral. La forma en que un héroe lucha dice lo que es, y la de esta película ha cambiado con respecto a las anteriores.

Un luchador que se ha vuelto eficiente

Las películas anteriores mostraban a un joven que improvisaba, encajaba y ganaba tanto por suerte como por talento. Aquí, los movimientos son claros, económicos, sin vacilación.

Esto es coherente con la brecha de tiempo que establece la película: cuatro años de práctica diaria, en solitario, necesariamente producen a alguien más competente. La coreografía narra esta elipsis sin una línea de diálogo.

Una violencia inquietante

El reverso aparece en las secuencias en las que Peter pierde el control. La misma precisión se vuelve aterradora en cuanto no se refrena, y la película lo utiliza deliberadamente.

Un héroe torpe que golpea demasiado fuerte provoca un accidente. Un héroe técnicamente impecable que golpea demasiado fuerte provoca otra cosa, y eso es lo que la puesta en escena busca transmitir. Detallamos este cambio en nuestro artículo sobre la mutación de Peter.

La soledad, incluso en los combates

Un detalle pocas veces notado: Peter nunca lucha en equipo en esta película. Ni refuerzos, ni coordinación, ni intercambio táctico. Cada enfrentamiento se libra en solitario.

Es una restricción de coreografía que deriva directamente del tema, y que hace algunas secuencias más largas y laboriosas —voluntariamente—.

Las preguntas que nos hacemos

¿Tom Holland hace sus propias acrobacias?

En parte, como en películas anteriores. Los actores de este tipo de producción realizan una parte significativa de los movimientos en el suelo y con cables, pero las acrobacias más peligrosas se confían a dobles especializados.

De hecho, el rodaje fue interrumpido tras un incidente, que documentamos en nuestro artículo sobre su lesión en el set —un recordatorio útil de que estas secuencias conllevan un riesgo real—.

¿Por qué los combates parecen más legibles?

Porque están coreografiados según una escuela que privilegia el plano general y la duración. Menos cortes, cámara más estable, cuerpos enteros en el encuadre: el espectador sigue la acción en lugar de reconstruirla.

¿La película realmente toma prestado de los videojuegos?

Sí, y el equipo de dobles lo asume. Las capturas de pantalla servían como referencia de movimiento, no como storyboard: la idea era reproducir físicamente gestos diseñados para ser jugados.

¿Cuánto tiempo lleva una secuencia de combate?

Semanas de preparación para unos pocos minutos en pantalla. La coreografía se repite primero en una sala, filmada de forma rudimentaria, hasta su aprobación. Luego se adapta al decorado real y se rueda durante varios días desde múltiples ángulos.

La relación es asombrosa: un minuto de acción final puede representar un mes de trabajo acumulado para todos los equipos involucrados.

¿Los especialistas se lesionan a menudo?

Los incidentes graves siguen siendo raros en relación con el número de tomas, precisamente porque el trabajo consiste en eliminar el azar. Pero el riesgo nunca desaparece, y este rodaje lo ha recordado.

¿Hay muchos efectos digitales?

Tantos como en cualquier producción de esta envergadura, pero distribuidos de manera diferente. Lo digital interviene sobre todo por encima de la línea del tejado y en los fondos urbanos, menos en los cuerpos y los decorados inmediatos.

Los oficios que nunca se ven en los créditos públicos

Una secuencia de acción de dos minutos moviliza a profesionales que el espectador no identifica, y de quienes, sin embargo, depende todo el resultado.

El coordinador de especialistas

Diseña la coreografía, elige a los dobles, calcula las trayectorias y aprueba cada toma en términos de seguridad. Es quien traduce una intención de dirección en gestos ejecutables sin herir a nadie.

En esta película, esta función se combina con la de director de segunda unidad, el equipo que rueda los planos de acción mientras el primero filma las escenas dialogadas. Esta combinación proporciona una coherencia excepcional entre lo que se concibe y lo que se filma.

Los riggers

Son ellos quienes instalan y controlan los sistemas de cables. Su trabajo es invisible por definición: si se ve, es que ha fallado. Un movimiento aéreo creíble depende tanto de su dosificación como del rendimiento del especialista.

Los dobles especializados

Varias personas diferentes pueden doblar al mismo actor según el tipo de acrobacia: caída, combate, desplazamiento aéreo. Cada una aporta una especialidad, y el montaje ensambla estos fragmentos en una actuación única.

Esto también explica por qué un actor puede "hacer sus propias acrobacias" mientras es doblado: ambas afirmaciones son verdaderas, aplicadas a planos diferentes.

Lo que hay que recordar

Especialistas que juegan a videojuegos y traen capturas de pantalla, un equipo de acción venido del cine asiático, cámaras lentas a 420 fotogramas por segundo donde el actor apenas puede actuar, y armas arrojadizas lanzadas de verdad.

No es una anécdota de "making-of". Es lo que explica la sensación particular de la película: se ven cuerpos que se mueven según reglas coherentes, en decorados que existen, filmados lo suficientemente anchos como para que se entienda lo que sucede. Muchas producciones comparables hacen lo contrario.

Queda el giro más divertido de toda esta historia. Durante veinte años, las adaptaciones de videojuegos intentaron parecerse a las películas. Se esforzaron tanto que terminaron resolviendo problemas que el cine nunca había manejado bien: cómo se mueve ese cuerpo, con qué inercia, según qué trayectorias. Hoy, la película toma capturas de pantalla del juego para saber cómo debe verse Spider-Man en movimiento. El alumno se ha convertido en la referencia, y el resultado se ve en pantalla.